¿Quieres ver arte nuevo este fin de semana? Comience con las fotografías cambiantes de Reynaldo Rivera de los bares de los años 70, luego vea las pinturas deliciosamente mordaces de Genieve Figgis sobre la nobleza. A continuación encontrará muchas más sugerencias de nuestros críticos.
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Reynaldo Rivera
Hasta el 21 de noviembre, Rena Spaulings Fine Art, 185 East Broadway, Manhattan.212-477-5006; reenaspaulings.com.
Nacido en Mexicali, México, Reynaldo Rivera estaba en California cuando era un adolescente a mediados de la década de 1970, allí, trabajando en granjas frutícolas y en enlatadoras, encontró una cámara y aprendió por sí mismo cómo usarla, se instaló en Los Ángeles y comenzó a fotografiar la escena de la música rock local, pero encontró su tema más absorbente en los bares de drag de la ciudad, particularmente aquellos que atraían a una audiencia latina.
'Kiss Me Deadly', su debut en solitario en Nueva York en Reena Spaulings, se compone principalmente de fotografías en blanco y negro de esos bares y sus artistas: Miss Alex en el Silverlake Lounge; Melissa y Gaby en La Plaza, y Yoshi, el propietario / estrella de Club Mugy. Lo que distingue la visión de Rivera sobre los artistas es que los toma en serio, los deja lucir tan glamorosos, tan divertidos, hermosos, demasiado, como querían. no es un extraño que mira hacia adentro, sino un interno que captura un mundo que conoce y ama.
Es bueno que lo haya capturado, porque la vida de club de esa época, los años 80 y 90, casi se ha ido. La gentrificación, las drogas y el SIDA lo eliminaron. Si quieres tener una idea profunda de ello, te recomiendo encarecidamente un libro de la obra del artista, simplemente titulado 'Reynaldo Rivera' y publicado en 2020.Editado por Hedi El Kholti y Lauren Mackler, tiene muchas más imágenes que en la muestra.También incluye valiosos ensayos de Luis Bauz y Chris Kraus, y un un largo intercambio de correos electrónicos entre Rivera y la artista-intérprete Vaginal Davis, una veterana vital de la historia que esta fotógrafa ha conservado. COTTER DE HOLANDA
Zona residencial
Genieve Figgis
Hasta el 11 de diciembre, Almine Rech, 39 East 78th Street, Manhattan.212-804-8496; alminerech.com .
Olvídese de la reciente oleada de programas de televisión y películas sobre la familia real británica. Todo lo que necesito en el camino de los aristócratas son las pinturas de la artista irlandesa Genieve Figgis. Reflexión ': el título en realidad se refiere al género francés de novelas libertinas del siglo XVIII. Los aristócratas y otras personas elegantes también están bien representados en este programa.
Las figuras en las pinturas de Figgis, y en particular sus rasgos faciales, están dibujadas con la crudeza Art Brut, destacando su absurdo y ridículo, lo que se amplifica con la técnica húmedo sobre húmedo de Figgis con pintura acrílica, que hace que las secciones de sus lienzos parezcan papel florentino. , con motivos arremolinados, o yeso apelmazado y picado. Las chicas de 'Queens' (2021) están vestidas con peluca y vestidos ondulados, mientras que 'Victorian People' (2021) retrata una galería de pícaros tragicómica que también recuerda a una cuadrícula maravillosa de caricaturas dibujadas por el artista de Nueva York Robin Winters titulado 'Metropolitan Acquaintances', de 1974.
Las pinturas de Figgis evocan a artistas como Francisco Goya, Karen Kilimnik y Sofia Coppola, quienes también se enfocaron en la desafortunada realeza europea, o las abrasadoras críticas sociales del pintor simbolista belga James Ensor, el artista británico contemporáneo David Shrigley y la serie de televisión 'South Park . ' ¿Por qué molestarse en exhibir aristócratas? Por ser personajes extremos, dotados de un privilegio extraordinario pero, sobre todo en las últimas décadas, sometidos a un intenso escrutinio; con su amplio abanico de patetismo y relatabilidad, son ejemplares perfectos para la pintura figurativa y, en manos de Figgis, comentando la condición humana en general. . MARTHA SCHWENDENER
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Betsy Damon
Hasta el 21 de noviembre La MaMa Galleria, 47 Great Jones Street, Manhattan.212-505-2476; lamama.org.
Para la artista Betsy Damon, la década de 1970 fue una época de redescubrimiento: durante esa década, encontró el movimiento feminista, dejó a su marido y se declaró lesbiana; también comenzó a actuar cubriéndose en pequeñas bolsas llenas de harina y pintándola. cuerpo y cabello blancos, con labios ennegrecidos. Se autodenominó la 'Mujer de los 7.000 años' (1977-78) y caminó lentamente en espiral mientras cortaba las bolsas con unas tijeras, liberándose simbólicamente de las cargas del patriarcado.
Damon ha sido una ecoartista y activista desde la década de 1990.Su exposición 'Betsy Damon - Passages: Rites and Rituals', comisariada por Monika Fabijanska, destaca sus primeras actuaciones feministas. Representadas principalmente por fotografías y recuerdos escritos, son reliquias radicales de una época en la que muchos artistas de grupos oprimidos estaban encontrando sus voces a través de la experimentación. El trabajo de Damon parece casi como un despertar de la conciencia creativa. En 'Un santuario para todas las mujeres' (1980-88), se invitó a las mujeres a escribir sus historias y colocarlas en bolsitas, que se colgaron como banderas para demarcar un espacio de comunión.
Puede ser difícil comprender el poder de las piezas de Damon de segunda mano, pero lo que se refleja es su aceptación de la vulnerabilidad y el compromiso con la comunidad. Se abrió y desafió a los demás también, y las fotos sugieren que lo logró. Un grupo de personas que ven su actuación 'Blind Beggarwoman' (1979-80) en Wall Street. Parecen mirar el arte con escepticismo pero también están paralizados, un público reacio que no está dispuesto a apartar la mirada. JILLIAN STEINHAUER
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Ron Gorchov
Hasta el 18 de diciembre en Chester & Read, 547 West 25th Street, Manhattan.212-242-7727; cheimread.com.
'The Last Paintings, 2017-2020', una exposición de obras de Ron Gorchov, quien murió el año pasado en Brooklyn a la edad de 90 años, nos permite considerar no solo sus últimos años, sino el ciclo de vida de la pintura en sí.
Se desprende de sus cuadros en forma de silla de montar, como los revestimientos de las paredes que se despegan después de años bajo la lluvia y la nieve. La pintura fluye hacia los bordes de cada obra después de correr a lo largo de un lienzo, las marcas del artista de una representación natural y final.
Las formas abstractas (generalmente dos y generalmente en lados opuestos) interactúan dentro de un campo de color, como si estuvieran en un viaje eterno el uno hacia el otro. Los colores son simples, agradables, nunca más de tres en cada una de las 11 pinturas. Las superficies exteriores parecen significar un acabado que tiene menos que ver con la perfección sino más con la resistencia.
Hay otros signos de imperfecciones intencionales: en 'Close Call', la pintura del fondo gotea en los límites de las formas en primer plano, interrumpiendo lo que habría sido la estratificación esperada. En algunas de las otras pinturas, no es necesario mirar demasiado de cerca para notar irregularidades: los contornos de formas anteriores aún son visibles en el lienzo.
Aunque cada cuadro es mínimo en apariencia, todo está presente y todo permanece, es como si cada obra hubiera acumulado su propia decadencia después del envejecimiento, y la hubiera reciclado para volver a formar parte de la imagen. lo que parece roto y escamoso, Gorchov es capaz de resistir la desaparición. YINKA ELUJOBA
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Roy Ferdinand
Hasta el 4 de diciembre Andrew Edlin Gallery, 212 Bowery, Manhattan.212-206-9723; edlingallery.com.
El artista Roy Ferdinand fue un gran negocio en su ciudad natal, Nueva Orleans, donde mostró con Barristers Gallery hasta su muerte, de cáncer, a la edad de 45 años en 2004. También era uno de los favoritos de la marchante neoyorquina Martina Batan. Los 28 impactantes dibujos de acuarela y rotuladores que se exhiben en Andrew Edlin constituyen su primer solo en Nueva York. Al documentar un vecindario empobrecido en el apogeo de la epidemia de crack, Ferdinand llenó las escenas que dibujó con licor de malta y armas automáticas. Los hombres jóvenes posan con rifles de asalto. mientras sus mayores mendigan o esperan desconsolados el autobús; Por lo general, las mujeres jóvenes son representadas desnudas y, a menudo, de forma pornográfica, pero a veces también posan con ametralladoras.
Lo que es realmente asombroso, sin embargo, es el dominio de los detalles de Ferdinand, era autodidacta, lo que se puede ver en la inclinación que exhiben muchos de sus dibujos y en una afición ligeramente obsesiva por las contraventanas, las tablillas y otras excusas similares para las líneas paralelas. Un dibujo inolvidable, de poco más de 60 x 90 cm, contiene una docena de personajes humanos vívidamente realizados, cuatro de ellos muertos por heridas de bala y dos, con uniformes de prisión, escabulléndose a través de un techo. una expresión de indiferencia resignada, si no de entumecimiento traumatizado, ya sea que estén disparando a alguien o ellos mismos, pero también hay una variación extraordinaria en sus detalles, una individualidad distinta de sus sujetos que hace que su fatalismo compartido sea aún más desconcertante. Will HEINRICH
Última oportunidad
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Gauri Gill
Hasta el 13 de noviembre James Cohan, 52 Walker Street, Manhattan.212-714-9500; jamescohan.com.
La exposición individual del fotógrafo con sede en Delhi Gauri Gill en el nuevo espacio TriBeCa de James Cohan es una de las más originales e imaginativas que he visto hasta ahora en esta temporada. Es tanto contemplativa como extrovertida. La fotografía de Gill es a menudo una empresa colaborativa, como es el caso. con dos series recientes y continuas extraídas de 'A Time to Play: New Scenes from Acts of Appearance'.
Para el primero, 'Field of Sight', que comenzó en 2013, hizo fotografías en blanco y negro a gran escala de tierras de cultivo de aspecto árido y horizonte bajo en el estado de Maharashtra, en el oeste de India, no lejos de Mumbai. La vida también es el escenario de la serie de fotografías en color de gran formato llamada 'Actos de aparición'. Los colaboradores de Gill aquí son un grupo de aldeanos de Maharashtra que, tradicionalmente, crean máscaras que representan deidades hindúes o tribales para un festival, pero Gill pidió a los aldeanos que expandieran su repertorio para incluir animales, pájaros e insectos fabulosos, así como formas mecánicas: relojes, teléfonos celulares, computadoras. Luego fotografiaron a los aldeanos con sus creaciones mientras participaban en el drama que mejor conocen: la vida cotidiana.
La fotografía, cuando los europeos la introdujeron en la India en el siglo XIX, era una herramienta de control, con el ojo colonial detrás de la lente, el cuerpo indio pasivo frente a él, aquí la transacción se cambia, se nivela. Fotógrafo y sujeto se encuentran en un intercambio compartido. terreno cultural; ambos son artistas y la creatividad fluye en ambos sentidos. COTTER DE HOLANDA
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Lex Brown
Hasta el 13 de noviembre.Deli Gallery, 36 White Street, Manhattan.646-634-1997; deligallery.com.
Es posible que no se dé cuenta de que el nuevo video de Lex Brown es la pieza central de su programa 'Mecanismos de defensa', dado que se reproduce en un televisor viejo cerca de la parte posterior del espacio. Pero 'Comunicación' (2021), que presenta al artista interpretando nueve personajes, forma un núcleo emocional y conceptual a partir del cual fluye la exposición. Al volverse divertido, absurdo y meditativo, el video se refiere al intento de una compañía de tecnología ficticia de gentrificar una ciudad y desplazar a los residentes mediante el uso de 'agujeros en la trama', bombardeando a las personas con información de manera que ya no tienen el control de sus mentes o acciones. ¿Te suena familiar? La 'comunicación' termina con un personaje que redescubre su voz interior, un proceso que, en el caso de Brown, me imagino que le dio la libertad de hacer el trabajo dispar que estaba a la vista. JILLIAN STEINHAUER
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Robin F.Williams
Hasta el 13 de noviembre PPOW, 392 Broadway, Manhattan.212-647-1044; ppowgallery.com.
Robin F.Williams es una pintora increíblemente buena. Durante varios años, ha estado explorando la interacción de diferentes texturas y técnicas, pero las obras de su exposición 'Out Lookers' llevan esa investigación a un nuevo nivel. Cada figura tiene su propia calidad de superficie , ya sea la etérea reflexiva del 'Fantasma en el trabajo' (2020), el mármol de 'Out Witch' (2020), o el 'Bechdel Yetis' pintado de manchas (2020). La forma es tan cautivadora que casi abruma El contenido: una serie de figuras femeninas sobrenaturales. Muchas tienen una cualidad juguetona, traviesa, y parecen destacar al mismo tiempo que se mezclan. Williams ha hecho una práctica de pintar mujeres que desobedecen las reglas de la sociedad, pero aquí las reglas Estas criaturas-mujeres habitan en un mundo que les es propio. JILLIAN STEINHAUER
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Elizabeth Jaeger
Hasta el 20 de noviembre, Jack Hanley Gallery, 177 Duane Street, Manhattan, 917-965-2337; jackhanley.com.
Este ambicioso joven escultor y ceramista presenta aquí más de una docena de ovoides de cerámica negra, algunos del tamaño de una cama para gatos, pero la mayoría del tamaño de una bola de Balthazar, cada uno con una abertura en la parte superior y pequeñas figuras en su interior. el cuello sobre cada uno, y encontrará escenas extrañas, a menudo tiernas, de niños sentados en bancos, trabajadores de oficina encorvados sobre sus escritorios o un caballo dormido de lado. Son como dioramas de Pompeya, o tal vez arenas de gladiadores, y cada uno de un desvencijado pedestal hecho por un artista hecho de alambre en polvo negro, lo que agrava su fragilidad. Sin embargo, una de las grandes delicias del arte de Jaeger es que, al mirar hacia abajo a estas frágiles criaturas, su maestría y superioridad comienzan a dar paso a una profunda preocupación , como si no pudieras soportar verlos heridos. JASON FARAGO
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Adrianne Rubenstein
Hasta el 20 de noviembre Broadway Gallery, 373 Broadway, Manhattan.212-226-4001; broadwaygallery.nyc.
Las pinturas de 'Global Warmth and Global Cooling' de Adrianne Rubenstein están llenas de flores, estrellas y comida, desde brócoli de otro mundo hasta una manzana roja plana que podría haber sido extraída de 'The Very Hungry Caterpillar' de Eric Carle. También hay un pez de colores rojo rubí tomado de Matisse y varias referencias a Mollie Katzen, la autora y artista del libro de cocina, pero una pincelada suelta y una hermosa paleta de pasteles azucarados que facilitan el camino hacia negros e índigos más profundos significan que las piezas casi funcionan como abstracciones , también, expresiones puras de la inocencia pictórica con inflexión histórica del arte. Will HEINRICH
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Mitchell Charbonneau
Hasta el 7 de diciembre Off Paradise, 120 Walker Street, Manhattan.212-388-9010; offparadise.com.
Las sillas plegables de metal angustiado con un mazo es un juego de jóvenes, y Mitchell Charbonneau, cuya primera exposición con esta galería incluye más de una docena de ejemplos de muebles maltratados, tiene solo 27 años. , como los amantes, o las torres misteriosas, en realidad están fundidos, con precisión, en resina antes de ser pintados en tonos apagados de trabajo de oficina de beige, negro o verde. parece como si los hubieran robado de un taxi, agregue un acento entretenido a un debut prometedor. En su camino hacia abajo, deténgase en el tercer piso, donde Brittni Ann Harvey muestra fascinantes collages y esculturas intrigantes en la nueva galería Someday . Will HEINRICH
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Milford Graves
Hasta el 8 de enero Artists Space, 11 Cortlandt Alley, Manhattan.212-226-3970; artistspace.org.
Milford Graves era un percusionista que trataba la batería como algo más expansivo que simplemente establecer un ritmo o tempo. Graves, quien murió este año, también era botánico y herbolario, profesor en Bennington College, técnico cardíaco, artista visual. con el latido del corazón humano y la energía que fluye a través de las plantas, y se abrió camino hacia los objetos de arte, como puede ver en 'Frecuencia fundamental' en Artists Space, fácilmente uno de los mejores espectáculos de la ciudad en este momento.
Las esculturas, los ensamblajes y los dibujos esquemáticos de Graves son los más cautivadores visualmente. Su 'Saco de entrenamiento Yara', de alrededor de 1990, incorpora guantes de boxeo pintados, sacos de boxeo, una espada samurái y un modelo de acupuntura, elementos de Yara, la forma de arte marcial inventada por Graves. Otras esculturas incluyen gongs, esculturas tribales, diagramas médicos y astronómicos, videos e impresiones de lecturas de electrocardiogramas.
Esta muestra sigue a una encuesta en el ICA Filadelfia (y un excelente documental, 'Milford Graves Full Mantis', de 2018). El folleto de la galería incluye 'Herbal Chart' de Graves, que detalla los efectos de varias hierbas en el cuerpo humano. combinados ofrecen una excelente introducción a la notable práctica y cosmovisión de Graves, en la que el arte, la medicina, las plantas, la percepción humana, el sistema nervioso y el cosmos están conectados. MARTHA SCHWENDENER
