Jennifer Bartlett, una artista de Nueva York cuyas pinturas conceptuales ejecutadas en placas de acero esmaltadas en blanco de un pie cuadrado (inspiradas en los subterráneos de la ciudad) florecieron en 'Rhapsody', un gran espectáculo histórico de pintura de más de 153 pies de largo, murió el 25 de julio en su casa en Amagansett, Nueva York. Tenía 81 años.

Su muerte fue anunciada conjuntamente por sus representantes en Nueva York, la Galería Paula Cooper y la Galería Marianne Boesky.

Su hija, Alice Carrière, dijo que si bien la Sra. Bartlett había luchado contra la demencia, la causa de la muerte fue la leucemia mieloide aguda, diagnosticada a principios de julio.

La Sra. Bartlett era una inconformista impenitente que comenzó como un miembro marginal de la generación posminimalista, la División de Arte Conceptual, ideando sistemas matemáticos o geométricos que solo necesitaba ejecutar, sin más decisiones estéticas. Ella caracterizó esto como un '¿Y si? ' Acercarse.

Con 'Rhapsody', un punto de inflexión importante en el arte estadounidense de finales del siglo XX, la Sra. Bartlett integró el estilo cerebral del conceptualismo con su medio de elección, la pintura, a menudo para disgusto de los artistas en ambos lados del pasillo de pintura y no pintura. También rompió el muro que separaba la abstracción de la representación, al igual que pintores como Neil Jenney, Lois Lane, Susan Rothenberg y Joe Zucker. Pero con 'Rhapsody', la ruptura fue épica, ruidosa y permisiva.

La obra se exhibió por primera vez en 1976 en la Galería Paula Cooper del SoHo, donde sus 987 láminas ocuparon todo el espacio disponible de la pared. Más tarde, para sorpresa de muchos, pareció hecha a medida para el enorme atrio del Museo de Arte Moderno, a cuya colección ingresó en 2005, regalo del arquitecto y coleccionista Edward R.Broida.

Al reseñar 'Rhapsody' en The New York Times, el crítico inglés John Russell la calificó como 'la obra de arte nuevo más ambiciosa que se me ha presentado desde que comencé a vivir en Nueva York'. Resumió aspectos del pop, el minimalismo y el arte conceptual y procesual, al mismo tiempo que abrió el arte de nuevo a las imágenes, la narrativa, los patrones repetitivos, la apropiación y las yuxtaposiciones severas que continúan informando a la pintura.

Sus imágenes abarcan numerosos estilos, desde fotorrealistas hasta ingenuos, con varios modernistas intermedios. Explora la línea, la forma y el color como fines en sí mismos, al mismo tiempo que presenta los temas simples que preocuparían a la Sra. Bartlett por el resto de su vida: árbol, montaña, casa y océano.

Cada placa de acero en 'Rhapsody' estaba impresa con una cuadrícula de cuadrados de un cuarto de pulgada, a los que agregaba puntos de acuerdo con el sistema que había configurado, a veces con resultados que parecían generados por computadora.

Ella caracterizó el trabajo como una 'conversación', 'en el sentido de que comienzas a explicar una cosa y luego pasas a otro tema para explicarlo por analogía y luego regresas'. Pero es tumultuosa, llena de interrupciones y discusiones y, al parecer, con todos hablando a la vez.

'Rhapsody' convirtió a la Sra. Bartlett en una estrella, aunque no fue amada universalmente. De hecho, ella tenía sus propias dudas, especialmente porque no la vio completa hasta que se instaló en Paula Cooper. Estaba preocupada, le dijo al escritor Calvin Tomkins. para un perfil de 1985 en The New Yorker, que el trabajo podría ser la peor idea que jamás había tenido. El título 'Rhapsody', sugerido por un amigo, 'era tan horrible que me gustó', dijo.

'La palabra implicaba algo rimbombante y demasiado ambicioso, lo que parecía bastante acertado', dijo Tomkins, según la citó.

Le gustaba contar, como lo hizo en una entrevista de historia oral de 2011 para Archives of American Art, cómo un destacado curador de Nueva York había dicho sobre sus superficies punteadas: 'Eso no es pintura, es tejido'. (Las palabras se hicieron eco del rechazo de Truman Capote a la prosa 'espontánea' de Jack Kerouac: 'Eso no es escribir, es escribir a máquina').

En la Nueva York de las décadas de 1970 y 1980, la Sra. Bartlett fue una de las primeras artistas de su generación en vivir de su trabajo, lo que a veces hacía con lujo y otras veces no (el presupuesto no formaba parte de su vocabulario), mientras que a menudo ayudaba a sus amigos. y familiares necesitados. También fue una de las primeras en trabajar directamente con distribuidores fuera de la ciudad en lugar de hacerlo a través de sus representantes en Nueva York.

Cuando la atención de Nueva York se desvaneció en la década de 1990, desarrolló una extensa red de galerías en otras ciudades, donde montó decenas de exposiciones de nuevos trabajos. Solo en Locks Gallery en Filadelfia, tuvo más de 20 exposiciones individuales entre 1994 y 2021, generalmente acompañada por catálogos.

La Sra. Bartlett se tomó una pausa de 20 años de presentarse en Paula Cooper a partir de 1996; durante ese período rara vez exhibía en Nueva York y, cuando lo hacía, por lo general saltaba de galería en galería. Su trabajo parecía más popular, y vendible, fuera del mundo del arte de Nueva York. En 2016, la Sra. Bartlett volvió a exponer con la Sra. Cooper. , quien unió fuerzas con la Sra. Boesky en 2018.

La Sra. Bartlett era una artista prodigiosamente prolífica, testaruda y elegantemente vestida. A pesar de que parecía pasar mucho tiempo acostada en un sofá con un cigarrillo en una mano y una bebida en la otra, dijo que se volvería loca si no podía. trabajo. Y trabajo que hizo: pintura, grabado y dibujo, especialmente en pasteles, y diseño de muebles, cristalería y joyería, con incursiones limitadas en el diseño de escenografía y vestuario.

Con todo eso, encontró tiempo para leer con voracidad; dar largas y entretenidas entrevistas; escribir una novela autobiográfica, 'Una historia del universo'; y desempeñó un papel importante en el rediseño y el equipamiento de tres importantes residencias para vivir y trabajar en la ciudad de Nueva York: dos en el Bajo Manhattan: un gran loft en Lafayette Street y un edificio industrial de hormigón en Charles Street (al que agregó un intrincado jardín diseñado con Madison Cox y una piscina de entrenamiento en el último piso), y uno en Brooklyn, un antiguo salón sindical en Fort Greene, cuyo ambicioso jardín de árboles de especímenes presentaba grandes rocas transportadas en camiones sobre una plataforma.

Durante su matrimonio con el actor alemán Mathieu Carrière, de 1983 a 1993, vivió la mitad del año en un gran apartamento de París -amueblado casi en su totalidad con diseños modernistas del arquitecto finlandés Alvar Aalto- en un edificio donde se encontraba 'El último tango en París'. filmada, ya que rara vez dejaba de decirle a cualquiera que la visitara.

La Sra. Bartlett fue tan sistemática en su vida como en su arte. Al llegar a Nueva York a fines de la década de 1960, dejó de lado la bohemia y, en cambio, usó perlas, conjuntos de suéteres y faldas de caniche en lana de tartán, cuyos plaids figuraban con frecuencia en las pinturas como reales. cuadrículas de vida. Durante un largo período, a partir de fines de la década de 1970, solo usó la moda minimalista de Zoran y, más tarde, la de Ronaldus Shamask. Casi sin variación, usó el cabello corto o con flequillo.

Le encantaban las listas; su novela incorporó varias. Al comienzo de su carrera, hizo listas de ideas artísticas y luego marcó las que pensó que otros artistas 'tenían'. Y, en su monótono tono irónico y ligeramente descarado, a menudo hablaba de listas.

Al comienzo de una entrevista de 1985, la amiga y colega pintora de la Sra. Bartlett, Elizabeth Murray, le preguntó qué había estado pensando cuando se conocieron en 1962 como estudiantes en Mills College en Oakland, California. Ella respondió: 'Ser artista, Ed Bartlett, las suites para violonchelo de Bach, Cézanne, ingresar a la escuela de posgrado, llegar a Nueva York, Albert Camus, James Joyce'.

Nació como Jennifer Ann Losch en Long Beach, California, el 14 de marzo de 1941, de Edward y Joanne (Chaffee) Losch. Su padre era un empresario cuyo negocio principal era una empresa de construcción de tuberías; su madre había asistido al Instituto de Arte Otis en Los Ángeles y trabajó como ilustradora de moda hasta que tuvo hijos.

Jennifer, la mayor de cuatro hermanos, fue precoz. Dibujaba constantemente desde la infancia; amaba el océano y nadaba en él regularmente (también dibujaba grandes representaciones de criaturas marinas); encontró inspiración en el único libro de arte de su madre, sobre el postimpresionismo francés; y estaba encantada con una exposición de Van Gogh que vio en Los Ángeles. Salió de la escuela secundaria decidida a ser pintora.

Después de graduarse de Mills en 1964, la Sra. Bartlett se casó con Edward Bartlett, un graduado de Stanford, y los dos se graduaron en Yale, él en medicina y ella en arte. (Se divorciaron en 1972). En el departamento de arte de Yale, actualmente estudiantes, recién graduados y sus amigos incluyeron a algunos de los artistas más ambiciosos y competitivos de su generación: Brice Marden, Richard Serra, Joel Shapiro, Chuck Close, Lynda Benglis y Nancy Graves. Después de mudarse a Greene Street en SoHo a fines de la década de 1960, se hizo amiga de los artistas Joe Zucker, Jonathan Borofsky, John Torreano, Joe Brainard y Alan Saret, quien realizó su primera exposición individual en Nueva York en su loft de Spring Street.

Cuando llegó a Nueva York, la Sra. Bartlett, inspirada por el arte de la destacada conceptualista Sol LeWitt, estaba desarrollando sistemas en papel cuadriculado, que generalmente dañaba o desgastaba. Un día se le ocurrió que el metro de la ciudad de Nueva York señala ' soportó mucho castigo', dijo en su entrevista de Archivos. Me sugirieron, dijo, 'un papel cuadriculado duro que era impermeable para mí'.

Las placas cuadradas de 12 pulgadas basadas en los letreros tenían la conveniencia adicional de ser unidades pequeñas en las que era fácil trabajar, empacar y transportar, pero que también podían asumir una escala monumental cuando se instalaban. Le gustaba la 'frescura' duradera del acero esmaltado. ella dijo; no envejecería físicamente ni se vería anticuado. Una vez que resolvió la producción de las placas de acero con un pequeño fabricante en Nueva Jersey, destruyó sus pinturas anteriores.

Sus láminas cuadriculadas representaban el gran interés de la Sra. Bartlett por la mecánica de la pintura, y las usaría por el resto de su vida, como en otras dos piezas épicas de láminas, 'Recitative' (2007) y 'Song' (2009-10). .

También amplió sus materiales. Su próximo gran proyecto después de 'Rhapsody' fue 'In the Garden', una serie de casi 200 dibujos de un jardín decrépito detrás de una pequeña villa en Niza, Francia, donde pasó el invierno de 1979-1980. Estas obras se convirtieron en la base de pinturas de gran tamaño (sobre planchas, óleo sobre lienzo y esmalte sobre vidrio) y varios tipos diferentes de grabados.

'In the Garden' también fue importante porque la Sra. Bartlett trabajó desde la vida, en particular su entorno inmediato, incluidos, eventualmente, sus estudios, sus hogares y sus propios jardines. El 'Air: 24 Hours' de 1991-92 consta de 24 grandes lienzos, cada uno representando uno de estos lugares a una hora particular del día. Ella representó sus espacios de vida una vez más en 1992-93 con '24 Horas: Elegía', generalmente incluyendo una prenda o un juguete perteneciente a su hija. En estas obras , densas acumulaciones de cuadrículas pintadas a mano crean una atmósfera granular que recuerda a las creadas por los puntos de Georges Seurat.

En 2012, una hospitalización de varias semanas -causada por lo que su hija, la Sra. Carrière, describió como 'una serie de síntomas que nunca se fusionaron del todo en un diagnóstico'- dio como resultado las 'Pinturas del hospital', un grupo inusualmente austero y realista de 10 lienzos. Cada uno estaba interrumpido por una línea gruesa y arbitraria de color que corría de borde a borde.

Además de su hija, a la Sra. Bartlett le sobrevive su hermana, Julie Losch Matsumoto.

A la Sra. Bartlett, insuperablemente segura de sí misma e independiente, se le preguntaba a menudo sobre su visión del feminismo, como le hicieron en 2011 para Archives of American Art. En ese caso, respondió: 'No soy del tipo feminista por naturaleza. ser el mejor artista.'